Anna Ammirati, bella e profonda. Conversando con lei si sprigionano l’anima emotiva e sanguigna che la stringe alla sua città, Napoli, dove è cresciuta, e quella legata a Roma, dove vive e in cui, con determinazione, è diventata ottima attrice di cinema, teatro e fiction televisive impegnate. Nel 2024 ha partecipato al pluripremiato film di Gabriele Salvatores Napoli-New York.
Anna, sei nata il giorno di Capodanno, un giorno estremo…
«Sì, proprio il primo gennaio, di pomeriggio».
Com’eri da bambina?
«Ero estroversa, gioiosa, inclusiva. Regalavo i miei giocattoli agli altri. Ho bellissimi ricordi».
Mamma e papà avevano a che fare col mondo dello spettacolo?
«No, io sono una borghese acquisita, sono figlia della working class. I miei non c’entravano con lo spettacolo. Il lavoro che faccio l’ho desiderato fin da piccola. Dopo il liceo ho sempre detto “andrò a Roma per fare l’attrice” e così è stato».
Hai esordito a teatro a 8 anni…
«Mia madre aveva intuito molto presto questa mia passione e mi avvicinò al teatro facendomi partecipare a compagnie amatoriali che rappresentavano opere di Eduardo De Filippo».
Studi liceali, accademia di teatro, perfezionamento alla Biennale di Venezia… Determinata.
«Credo che questo lavoro sia fatto soprattutto di studio e disciplina. Ad esempio, ora che sto aspettando la partenza di un progetto di teatro a settembre, studio molto le poesie, un esercizio di memoria, perché non è semplice memorizzare un copione se non ti alleni continuamente».
Titolo di questo spettacolo?
«Quarant’anni e non li dimostra, scritto da Titina e Peppino De Filippo. Il “quarant’anni e non li dimostra” è il mio personaggio, una donna che ha sempre vissuto accanto al padre dedicandosi sempre alla famiglia e agli altri. A 40 anni scopre improvvisamente di esistere come donna e quindi anche con la possibilità dell’amore…».
Il tuo primo film. Protagonista di Monella di Tinto Brass, del 1998.
«Un mio amico dell’accademia una mattina portò una foto mia con sé perché il regista cercava la protagonista ma anche il suo fidanzato. Andò da Tinto o da un suo aiuto e come a volte succede lui non fu scelto ma fui scelta io perché cercava una “Lolita”. Monella, storia scritta da Barbara Alberti e da Brass, è la trasposizione di Lolita, una ragazza giovane, spontanea, vitale, più scugnizza che provocatrice».
Lolita, il romanzo di Nabokov…
«Esattamente. L’esperienza fu bellissima, Brass è un grande regista. Ha attraversato varie fasi, quella blu, quella rossa, quella bianca, la fase politica, quella erotica…».
Ricordiamo un suo stupendo e surreale film del 1964, con Alberto Sordi, Il disco volante, sempre attuale.
«Certo. E La vacanza (1971, ndr) con la Redgrave e Franco Nero…».
Tra i molti film in cui hai partecipato, E dopo cadde la neve, di Donatella Baglivo, del 2005, sul terremoto dell’Irpinia del 1980. All’epoca avevi meno di due anni...
«Non so perché ma ho un preciso ricordo di quel terremoto. Mi ricordo che stavo mangiando le “patate di zucchero”, sai quelle americane, che mi piacciono da morire. Ricordo che mia madre mi stava imboccando e disse “andiamo”. Io piangevo sulle scale perché volevo finirle, un ricordo che, nonostante fossi piccolissima, mi è sempre rimasto. Ho un ricordo proprio della scossa e dovemmo scappare. Donatella Baglivo, che è una documentarista, ha voluto raccontare quel fatto attraverso immagini vere e ricostruzioni di fiction».
In L’amore buio, del 2010, regia di Antonio Capuano, fai la parte dell’analista di Irene, una ragazza violentata da suoi coetanei.
«Volevo lavorare con Antonio Capuano da sempre, l’ho proprio inseguito. Poi qualcuno mi disse “Antonio sta preparando un film”. In quel periodo mi trovavo a Napoli e lo incontrai a piazza del Gesù. Gli dissi “stai preparando un film? Mi avevi promesso che mi avresti chiamata e non me lo dici?”. Lui mi guardò e mi propose un ruolo quasi come fosse uno scambio di contrabbando, “teng’ na’ psicologa, a vuo’ fa’?”. Dissi sì. Il film si divideva come si divide Napoli, la parte alta e la parte bassa. Io ero la psicologa di questa ragazzina di Posillipo che praticamente è un’altra città, i quartieri sulla collina, con queste ville sul mare, mentre la Napoli del centro storico, dei Quartieri Spagnoli, è quella che pulsa, diciamo popolare, anche se vivere oggi nel centro storico di Napoli non se lo possono permettere tutti. Non so se si sente, sta uscendo il mio caffè…».
In effetti un po’ si sente, peccato non arrivi il profumo…
«Questa ragazzina viene violentata da un gruppo di minorenni, ma poi si innamora del suo aguzzino, un ragazzino di 17 anni che le scrive lettere dal carcere. Nasce una storia d’amore assurda, particolare. Credo che Capuano volesse raccontare la forza dell’amore che riesce a superare anche una cosa così drammatica. L’amore è l’atto più rivoluzionario di questa terra. Puoi pure essere Elon Musk ma quando arriva ti stende. Non te lo puoi comprare, non lo puoi inventare, non puoi decidere quando arriva e non c’è niente che possa fermare una cosa così enorme, anche quando arriva tra due adulti che magari non sono liberi e quell’amore diventa struggente e doloroso. È come arrivasse uno tsunami, mi viene da dire che l’amore non guarda in faccia nessuno. Penso che oggi avere qualcuno che ti vuole veramente bene sia l’unica forma di salvezza».
Sei credente?
«Sono credente, sì, molto credente, sono cristiana, quando posso vado in chiesa, credo in Dio e in Gesù Cristo».
Da quanto tempo vivi a Roma?
«Da 28 anni ma torno spesso a Napoli, lì ci sono i miei genitori. Sono nata a Castellammare di Stabia in clinica, ma sono cresciuta a Napoli».
Come la vedi questa stupenda città che è Napoli?
«Negli ultimi anni ha ritrovato un’energia, una centralità culturale, anche un orgoglio nuovo, un turismo che fa paura, più curiosità verso la sua identità ma, accanto alla bellezza enorme e alla creatività, ci sono ancora fragilità sociali molto forti e forse è proprio questo che continua a renderla così viva e difficile da raccontare davvero. Cambia continuamente ma resta sempre la stessa, ti seduce e ti ferisce».
Roma, invece, come la descrivi?
«È un po’ strega. Quando ci sono me ne vorrei andare e quando non ci sono mi manca da morire. Per me è stata il luogo della trasformazione. Sono arrivata qua a 18 anni. Qui sono diventata una donna, qui è nata mia figlia, a Napoli ci sono le radici, l’istinto, l’infanzia, la parte più emotiva di me. A Roma ho imparato la resistenza. Non ti regala niente subito, ti mette alla prova, ti costringe ad avere molta pazienza, ti obbliga a una disciplina enorme, ti costringe anche alla capacità di stare nella solitudine, ma allo stesso tempo ti dà una libertà enorme perché dentro Roma convivono mondi completamente diversi, politica, spiritualità, borghesia, periferie, ma non ti costringe a diventare romano, ti insegna ad affrontare la complessità e anche a stare dentro la storia».
Vuoi dirci della tua situazione sentimentale attuale?
«Ho una figlia di 23 anni, Sara, si sta laureando in storia dell’arte a Venezia, vive e studia là e per questo frequento tantissimo Venezia. È molto colta, mi insegna anche cose che non so… In questo momento ho un compagno e sono molto innamorata».
Nel docu-drama Rai del 2017, Paolo Borsellino. Adesso tocca a me, hai interpretato Agnese Borsellino, la moglie del giudice. Cosa ti ha dato questa esperienza?
«Sono entrata nella parte di una donna realmente esistita, già questo per me era una responsabilità enorme, entrare nella vita di una donna che ha attraversato il dolore con una dignità impressionante. Viveva quotidianamente la paura, l’attesa, il peso di quella situazione. Per me non era importante imitare Agnese Borsellino ma restituirle la sua umanità, soprattutto la sua forza silenziosa. Sul copione appuntai che non cercava la scena, il protagonismo. Immaginai cosa significa amare qualcuno con la costante paura di perderlo. Ho cercato di raccontare non solo il suo dolore dopo la strage ma anche la sua quotidianità, fumava tantissimo, lui le faceva gli scherzi telefonici. Camminavo per Palermo nelle strade che lei frequentava, facevo la spesa nei negozi dove andava lei…».
Il tuo primo lavoro in teatro. Protagonista di Un amore di Dino Buzzati, regia di Giulio Bosetti, del 1998.
«L’incontro con Giulio Bosetti è stato una grande scuola. Eleganza particolare, è stato uno dei grandi del nostro teatro. La scrittura di Dino Buzzati, c’è sempre dentro un’inquietudine, un mistero, un’attesa. Tra l’altro questa rappresentazione la feci subito dopo il film di Brass. Antonio Salines, che è stato un grande attore, faceva un personaggio in Monella. Disse a Bosetti: “La ragazza protagonista potrebbe essere la tua Laide”. Ricordo che a Tinto non fece piacere che Bosetti - mi portò il romanzo di Buzzati, storia di un amore completamente sbilanciato che per lui diventa ossessione, molto attuale - venisse sul set per conoscere la sua attrice. Questo non l’ho mai raccontato a nessuno».
Gli uomini di oggi appaiono un po’ fragili.
«Penso che ci si difenda molto e ci si ascolti poco. Non amo la guerra tra i sessi. Uomini e donne devono trovare un dialogo meno ideologico, meno basato sul potere. Credo che gli uomini che oggi sanno mostrarsi umani abbiano molto più fascino. Questi sono gli uomini che mi interessano. L’autenticità richiede molto più coraggio. E questo vale anche per le donne. Tutti abbiamo bisogno delle stesse cose, essere compresi, amati, rispettati e sentirci visti, porca miseria».
Talvolta le scelte terrene possono portare ad attraversare inferni con le sembianze di una felicità materiale che finisce per dissolversi nell’inconsistenza di un’illusione contenente una voragine.
Francesco Lorenzi, classe 1982, era un ragazzo di Thiene (Vicenza) appassionato di musica che in parrocchia poneva domande profonde sul senso della vita, ottenendo risposte ritenute deludenti o dogmatiche. Ciò suscitò in lui un sentimento anticlericale. Fondò un gruppo punk, i Sun Eats Hours, che ottennero un rilevante successo internazionale, giungendo a esibirsi anche con i Cure, tra le band cult di questo inquieto genere. Le sue domande originarie, tuttavia, restavano latenti e inevase, quasi un grido. Allo specchio iniziò a guardarsi negli occhi. E progressivamente intuì le ragioni del suo stato. Ciò che cercava non era il punk nichilista fatto di musica arrabbiata e di eccessi. La sua e poi quella dei suoi amici della band, il cui nuovo nome divenne The Sun, fu una svolta cristiana e, nello specifico, cattolica. Nei testi dei brani l’italiano soppiantò l’inglese. Voglio coraggio, ad esempio, è nato dopo l’illuminazione. «Notte fonda, buio pesto / Fisso il vuoto che detesto / Il mondo piange in un inferno / Voglio uscire dal silenzio [...] Tutto parte da noi / Voglio coraggio / Io credo in Te e cambio il mondo». Il rock cristiano - o christian rock - della band non sfuggì alla Santa Sede che vi riscontrò uno strumento efficace per arrivare al cuore dei giovani e al loro linguaggio. Il cardinale Gianfranco Ravasi, insigne biblista, lo invitò all’assemblea sulle culture giovanili del Pontificio Consiglio della Cultura e scrisse la prefazione del suo libro autobiografico La strada del Sole (Rizzoli). L’anima dei The Sun, autore, voce e chitarra, oggi vive a Marostica (Vicenza). L’ultimo album del gruppo reca il titolo Fuoco dentro.
Ricordiamo la formazione dei The Sun, tu, Riccardo Rossi, Matteo Reghelin, Gianluca Menegozzo…
«È la formazione originaria alla quale, nel 2015, si è aggiunto Andrea Cerato e anche lui ha condiviso con noi un cammino spirituale».
Provieni da una famiglia cattolica. Ma diventasti anticlericale.
«La mia famiglia era cattolica ma non particolarmente praticante. Un ambiente tiepido, con una religiosità piuttosto superficiale. Avevo un sentimento anticlericale forte perché, nell’ambiente parrocchiale, quando a 10-12 anni ponevo agli animatori domande sul senso profondo della vita, non trovavo risposte adeguate ed ero liquidato in modo sbrigativo. Poi la mia vita, con il gruppo punk, ha preso un’altra direzione. L’ambiente punk era anticlericale. Non si poteva parlare di nulla che avesse a che fare con la fede cattolica».
Il successo internazionale dei Sun Eats Hours. Tuttavia, allo specchio, ti interrogavi sulle cause della tua infelicità.
«È un momento sacro quello in cui una persona, guardandosi allo specchio, riesce a togliersi varie maschere, un processo che dura una vita. Era l’estate del 2007. Stavamo facendo un tour di 102 concerti in dieci Stati, tra Europa e Giappone. Sin da ragazzino avevo idealizzato il fatto di poter arrivare a quel punto, immaginando che sarei stato felice. Invece, prima di salire su palcoscenici importanti, dentro il mio sguardo scorgevo un vuoto, una mancanza di senso, di pace, che mi scavavano dentro. “Perché non sono felice se è la vita che ho sempre sognato?”. Era una voragine ma anche un’opportunità».
Il gruppo era sul punto di sciogliersi per litigi interni ed eccessi…
«Purtroppo era tipico dell’ambiente. Eccedere nell’alcol, negli stupefacenti, nel sesso porta gravissime conseguenze. I litigi erano una ovvia conseguenza. Per l’alcolismo di Ricky, il batterista con cui avevo fondato la band, amici da sempre, eravamo sul punto di dividerci. Lavorare insieme era diventato davvero difficile. Io non avevo mai avuto grande affezione per l’alcol e le droghe. Talvolta ho esagerato ma mai diventato dipendente. Ma la parte relazionale, sessuale, era molto… Vivere la sessualità in modo disordinato e superficiale lascia molti segni nell’anima».
Il ruolo dei tuoi genitori, di tua madre Bianca…
«Era la fine di ottobre del 2007. Avevo appena concluso quella tournée con un futuro roseo per la mia carriera. Dovevamo andare negli Stati Uniti. Ma stavo vivendo quella grande crisi personale. Convivevo con una ragazza spagnola ma tornavo spesso a casa dei miei genitori perché c’era la possibilità di ascoltarsi e confrontarsi. Questa è stata una grande benedizione, sapevo di poter contare su di loro al cento per cento. Mia madre, quella sera, quasi in punta di piedi, mi disse: “Sai, qui vicino, nel teatro di una parrocchia, fanno un incontro”. Mi sembrava una cosa bizzarra, assurda, non frequentavo più la Chiesa da oltre dieci anni».
Come ti cambiò quell’incontro?
«Trovai ragazzi con una vita ordinaria che magari sognavano di avere una vita come la mia ma sicuramente erano più felici di me. Respiravo autenticità, tra loro si volevano bene. Mi chiesi “perché vengo da un ambiente che reclama fraternità, amicizia, condivisione e queste cose non ci sono?”».
Il cammino conseguente?
«Quei ragazzi iniziarono a diventare degli amici. Li vedevo ogni settimana. Tornai ad andare a messa, il sacramento della riconciliazione ma soprattutto l’adorazione eucaristica settimanale, notturna, dall’una alle 2 di notte nella cappellina della parrocchia di san Sebastiano a Thiene, la preghiera e la meditazione, e questo fece la differenza, l’incontro con Gesù, l’opportunità di sentire nel profondo la sua presenza viva, qui e adesso, ora, del Signore Gesù. Iniziai a sentire che la nostra vita è chiamata all’eternità. Se ciò che vivo oggi ha un effetto così duraturo da incidere sull’eternità, è inevitabile che avvenga un processo di rinascita».
Iniziasti a scrivere i testi dei tuoi brani in italiano…
«La scelta di scrivere in italiano fu un’esigenza. La prima cosa che il Signore fa quando entra nella nostra vita è aiutarci a discernere tra ciò che è autentico e ciò che non lo è, tra ciò che è nella Luce e ciò che è nell’ombra, ricordando il Vangelo di Giovanni. È la battaglia che c’è dentro di noi».
L’ampia platea dei vostri proseliti, all’estero, si trovò spiazzata…
«Questa svolta fu un suicidio discografico. Dovevamo scrivere il quinto album in inglese che ci avrebbe portato negli Stati Uniti, una sorta di Terra promessa per una band come la nostra. Restammo senza un contratto discografico, senza un disco in uscita. Nessuno capì cosa stavo vivendo. Tournée cancellata. Per circa un anno non ebbi il coraggio di condividere con i miei compagni del gruppo le ragioni profonde di quel cambiamento. Avevo paura del giudizio, perché nel nostro mondo la fede è un tema tabù».
Poi, come ti ponesti con i tuoi amici della band?
«Quando rimasi senza nulla compresi che, come altri ragazzi mi avevano testimoniato, Gesù è la via, la verità e la vita e dovevo prendermi cura del mio prossimo, innanzitutto aprendo il mio cuore con Riccardo, Matteo e Gianluca. Feci esperienza di cosa può fare lo Spirito Santo. Pensavo di vederli andarsene via. Ma iniziarono invece a farsi domande profonde e giuste per uscire da certe situazioni, Matteo uscire dalle droghe, Gianluca riprendere in mano la sua vita perché aveva una forte depressione, Ricky uscire dall’alcolismo. Ho visto i miei fratelli rinascere. Poi ricominciammo da zero».
Cambiaste anche il nome.
«Prima ci chiamavamo Sun Eats Hours, el sole magna le ore, come si dice in Veneto, cioè “non perdere tempo”, “la vita finisce”, ok, ma il sole c’è sempre, l’eternità, quindi il sole non mangiava più le ore».
Il 6 febbraio 2013 il cardinal Ravasi, pontificio consiglio della cultura, v’invitò alla Lumsa di Roma, a riflettere sul tema «I giovani e la fede: cosa avvicina e cosa allontana un giovane dalla Chiesa?». Qual è la tua risposta a questa domanda?
«Come quel ragazzino che ero io che faceva domande scomode con il bisogno di risposte serie e adulte, nel cuore di ogni ragazzo c’è questa sete. Cristianesimo e cattolicesimo hanno le più straordinarie verità da condividere ma sono comunicate male. La musica è uno strumento potentissimo ma deve essere supportata dalla vita, dalle esperienze insieme. Organizziamo tanti pellegrinaggi, in Terra Santa, in Giordania, sul cammino di Santiago con altre persone in ricerca, sacerdoti, teologi… La Parola non è morta, è un essere vivente, se capiamo questo la nostra vita si trasforma».
Come ti poni di fronte al pensiero del morire?
«Faccio un esercizio della buona morte, tutti i santi ce lo insegnano».
E l’aldilà?
«Quando ho incominciato questo percorso di fede non avrei nemmeno lontanamente immaginato la quantità di luce che sarebbe entrata nella mia vita. Secondo me ciò che troveremo nell’aldilà è esattamente questo».
Sogno dei miei sogni: «Continuo il mio viaggio anche senza noi / Mi manchi da fare male / Dimmi, dove sei? [...]». Ti riferisci a un amore terreno?
«Questo si riferisce a una mia ex fidanzata. Ma a volte nei miei testi si pensa a una storia d’amore terrena mentre sto parlando di una relazione con Dio».
In fondo le due sfere sono intrecciate. In questo momento stai vivendo una storia d’amore, sei fidanzato?
«Ho una fidanzata, sì».
E i tuoi compagni dei The Sun?
«Matteo è sposato e gli altri due entrambi fidanzati».
Pensi di sposarti?
«Ci sto lavorando».
Moreno Conficconi, rigorosamente romagnolo - è nato nel 1958 a Meldola, provincia di Forlì-Cesena - è stato per 10 anni, dal 1990 al 2000, il braccio destro di Raoul Casadei, il secondo re del liscio. Il primo fu Secondo Casadei, zio di Raoul, che fondò la celebre orchestra romagnola.
Lui, da tutti conosciuto come «Moreno il biondo», è il re contemporaneo di questo genere gioioso e popolare che richiama feste di paese, pranzi di nozze. E un’antropologia contadina i cui scenari erano balli sulle aie per vendemmia e mietitura e quei matrimoni allegri rimpianti da Pasolini. Per le sue connotazioni etnologiche, l’epopea del liscio è stata riscoperta anche da noti cultori della musica. L’attuale detentore dello scettro, musicista e cantante, ha collaborato con nomi altisonanti della repubblica internazionale della musica. È solare («Se ti piace il mare vienimi a trovare!»). La sua orchestra si chiama «Orchestra Grande Evento».
A incoronarti è stato Franco Mussida, prestigioso musicista, 40 anni nella Pfm.
«Sono stato invitato al Cpm di Milano, una scuola di perfezionamento di alto livello, con docenti preparatissimi, grandi musicisti, a parlare della musica popolare nell’open day con i ragazzi. Al termine di questa meravigliosa giornata dove ho anche suonato la mia musica popolare, quindi il liscio, accompagnato dai ragazzi, è salito sul palco, mi ha preso e alzato la mano dicendo “Moreno Conficconi, il re del liscio contemporaneo”, suggellando 50 anni di carriera».
Qual è la filosofia del liscio?
«È quella di essere un’unica interpretazione, quella del ballerino e quella del musicista. È una musica che si dona, una simbiosi tra chi la ascolta e chi la balla».
Valzer, polka e mazurka. Non sono generi nati in Romagna…
«La polka non è nostra, il valzer e la mazurka nemmeno perché giungono dall’Europa. Perché è diventata musica nostra? Perché diventò una musica del popolo, una musica sociale, intratteneva con una caratteristica data dal padre fondatore del liscio, Carlo Brighi (1853-1915, ndr), primo violino dell’orchestra di Toscanini alla Scala, che riuscì a renderla usufruibile dal popolo, non più soltanto nelle corti, pensiamo al valzer. Una musica che permise alle persone di avvicinarsi, di abbracciarsi. Il protagonista non era tanto il musicista, quanto il ballerino. La prima cosa che pensiamo è che la musica deve far ballare la gente».
Alla fine degli anni Venti, Secondo Casadei, figlio di una famiglia di sarti, debuttò con l’Orchestra Casadei. Nel 1954 compose Romagna mia. Ad Alto gradimento Arbore e Boncompagni proposero la sua Io cerco la morosa. Il liscio divenne un fenomeno nazionalpopolare…
«Ci furono due momenti straordinari, con Arbore e poi con il Festivalbar. La svolta fu Romagna mia, che arrivò all’ascolto di tutti anche grazie ai juke-box e a Radio Capodistria che la trasmetteva con le dediche… Il liscio diventò una moda. Secondo Casadei visse questo passaggio, attorno al ‘68. Ma una chiave di lettura è anche quella turistica. Lui e il suo quintetto avevano debuttato all’inaugurazione del primo stabilimento balneare a Gatteo Mare. Poi il turismo riceveva sempre più visite dall’Italia e dall’estero e da lì questa musica, suonatissima, diventò anche commerciale perché c’erano le canzoni-cartolina, con una dedica alle varie località. Ogni località aveva una sua canzone Ti aspetto a Cesenatico sul mare oppure Riccione, Riccione goodbye. Spingevi il bottoncino e sentivi il ritornello».
L’hai conosciuto Secondo, che morì a Forlimpopoli nel 1971?
«L’ho solo visto sul palco, al mio paese, a Galeata, a un “veglione della sporta”, avevo 13 anni, suonavo già il sax e il clarinetto nella banda. Ricordo che fui folgorato da questo musicista vestito di bianco al centro del palco e il mio sogno era di esserci un giorno anch’io, proprio in quell’orchestra, vestito di bianco. Un sogno che vita mi ha regalato, la svolta della mia carriera».
Negli anni Sessanta Secondo fu affiancato dal nipote Raoul Casadei che, purtroppo, se ne andò causa Covid nel marzo 2021. Dal 1990 al 2000, con i Casadei, sei stato il suo braccio destro. Come lo ricordi?
«Portava con sé la sua origine professionale, quella del maestro elementare. Raccontava le canzoni alla gente come dovesse raccontarle a un bambino. Inventò il racconto delle canzoni. Era un sognatore. Ero il suo braccio destro in tutto, un po’ il suo interprete, mettevo qualcosa di mio negli arrangiamenti, ascoltavo rock, blues, di tutto… Gran parte dei testi dagli anni Settanta li ha scritti lui».
I temi?
«Melodie italiane, la nostra è una melodia. Scriveva il pezzo “sanremese”, alla Sal Da Vinci per capirci. Devo dire che con Sal - un caro amico - vincitore a Sanremo ha vinto anche il liscio. Io l’ho fatto Sanremo, con gli Extraliscio, e lui è stato la continuazione di un percorso».
Sin da giovane formasti orchestre. Come nacque il tuo interesse?
«Il mio babbo non era musicista, mia madre cantava nella parrocchia, il suo sogno era un figlio che cantasse e suonasse. A sei anni mi mettevano sugli sgabelli a fare i concertini. Feci anche le selezioni per lo Zecchino d’oro. Non vincevo mai, perché ero scarso a cantare. Mio padre, a Galeata, s’inventò la Coppa canora, per farmi vincere. Neanche lì riuscii, ma arrivai terzo. Mia mamma veniva a prendermi al campo di calcio con la scopa che mi dava sulle gambe. “Va’ a suné”. Io pensavo al pallone».
Passione ancora viva dato che sei nella Nazionale Cantanti.
«Esperienza umana straordinaria. Morandi, Ruggeri, Ramazzotti… Già mi conoscevano. Un sogno esaudito e ne ho ancora tanti».
Dopo l’esperienza con i Casadei hai fondato l’Orchestra Grande Evento, la tua orchestra attuale.
«Con l’ingresso di Mirko Casadei, figlio di Raoul, lasciai l’orchestra. Nel 2002 faccio l’Orchestra Grande Evento. Ritorno sul palco con il fronte di attacco musicale dell’Orchestra Casadei storica e riparte quella storia in un’altra maniera. Con Tassinari e Ferrara andammo anche a Sanremo con gli Extraliscio. Adesso facciamo un tour».
Nelle vostre esibizioni si ascolta solo o anche si balla, come nella tradizione del liscio?
«È diventato quasi un cinquanta e cinquanta. Grazie al lavoro fatto anche da me questa musica è diventata da ascolto. Con il Ravenna Festival, nel 2013, per me c’è stata una svolta. Comunque il ballo rimane sempre».
Nel 2013, appunto, il Ravenna Festival ti ha affidò la realizzazione dello spettacolo Secondo a nessuno, tributo a Secondo Casadei. L’Orchestra Sinfonica Giovanile Cherubini di Riccardo Muti si è unita alla tua, al PalaDeAndré di Ravenna. Quattromila spettatori.
«Franco Masotti, del Ravenna Festival, mi ha chiamato da Riccarda Casadei, figlia di Secondo, per me fondamentale nel dopo-Casadei e nel dopo-Raoul. Mi dicono “vogliamo fare questo evento dedicato alla musica romagnola e a Secondo Casadei” con l’orchestra sinfonica giovanile di Muti, che ha suonato con noi. Entrambe le orchestre dirette dal maestro Giorgio Papini, facemmo cinque pezzi di Secondo e Raoul Casadei».
Hai collaborato con il cantautore Massimo Bubola.
«Sì, coinvolto da Giordano Sangiorgi, mi incontrai con Bubola e realizzammo Un bacio in bicicletta, un brano dialettale di Secondo Casadei».
Il liscio è anche antropologia, etnologia, cultura.
«Esattamente, una cosa che il Ravenna Festival ha iniziato a sdoganare. E c’è da dire anche che se l’orchestra sbaglia una nota il ballerino se ne accorge. Ma io cercavo e cerco una musica che rispetti la tradizione ma libera di raggiungere qualsiasi ascoltatore».
Sarebbe ora si smetterla di giudicare il liscio come un sottogenere.
«Certo, e sono cose reali. Se io ho suonato con David Rhodes, il chitarrista di Peter Gabriel… Se io inizio Tramonto, un classico di Secondo Casadei, e cerco di trasmetterla a chi ha suonato con Peter Gabriel o a Roberto Gualdi, Pfm, se con il gruppo Romagna 2.0 facciamo musica salentina con Stefania Morciano, figura principale della notte della taranta… Il mio sogno futuro è fare una band di folklori europei, internazionali e grazie a queste collaborazioni voglio arrivarci».
Musicalmente, il liscio si sta rinnovando?
«Il mondo del liscio attuale è un contenitore di stili e generi, come fosse un format. Sempre al centro c’è il ballo, ma con contaminazioni rock, funky, blues, folk, elettronica. Ad esempio il mood della quotata orchestra Omar Lambertini è più rockettaro. Io faccio folk, liscio, ma uso i sintetizzatori, non ho la rigidità delle partiture… Ciò che mi lega al sound romagnolo tradizionale è il clarinetto in do, che io suono».
E i giovani?
«Tantissimi ne sono attratti, ma che amano il ballo, tutto parte da lì. È la gioventù dei quarantenni, della famiglia, di chi vuole farsi una serata con gli amici a tavola e poi nei locali, multisale, con la sala del liscio».
Hai composto 700 brani…
«Sì, faccio testi e musica. Per i testi mi sto concentrando sul dialettale romagnolo, molto musicale e adatto anche per l’estero».
Secondo Casadei, scrivendo Romagna mia, si pensava lontano da casa?
«Sì, con il desiderio di tornarci. In origine il titolo era Casetta mia. Il maestro Olivieri gli consigliò di cambiarlo con Romagna mia. Era una canzone di scorta. È la quinta canzone al mondo più eseguita. Incisa in un mucchio di lingue, tra cui il cinese».
Nel 2070 il liscio si ballerà ancora?
«Si ballerà perché è giovane nel suo Dna e lo resterà sempre».