Contrariamente a quanto si possa pensare, la street art, così straordinariamente attuale e rivoluzionaria, affonda le sue radici negli albori della storia: si può dire che parta dalle incisioni rupestri (i graffiti primitivi sono temi ricorrenti in molti street artist contemporanei) e millenni dopo, passando per le pitture murali medievali, i murales politici del dopoguerra e il « muralismo » messicano di Diego Rivera, José Clemente Orozco e David Alfaro Siqueiros, approdi nella New York ( o meglio, nel suo sottosuolo…) di fine anni ’60, dove tag, firme e strani simboli si moltiplicano sui treni e sui muri delle metropolitane, espressione di quella nuova forma d’arte che prende il nome di writing, quell’arte urbana che è la «parente più prossima » della street art, meno simbolica e più figurativa.
E quando si parla di street art, il primo nome che viene in mente è in assoluto quello di Banksy, la figura più enigmatica della scena artistica contemporanea, che ha fatto del mistero la sua cifra espressiva. Banksy è «l‘ artista che non c’è » ma che lascia ovunque il segno del suo passaggio, con una comunicazione che si muove con intelligenza tra arte e media: i suoi profili social sono il primo canale di diffusione e le sue opere, spesso realizzate con stencil (una maschera normografica su cui viene applicata una vernice, così da ottenere un'immagine sullo spazio retrostante), sono interventi rapidi nello spazio urbano, capaci di coniugare arte e messaggio politico. Quella di Bansky è un’arte clandestina, quasi abusiva, fulminea, che compare dal nulla un po’ovunque, in primis sui grandi scenari di guerra, dal muro che divide Israele e Palestina ai palazzi bombardati in Ucraina. Le sue immagini, dall’iconica Balloon Girl (la ragazzina con un palloncino rosso a forma di cuore) ai soldati che disegnano il segno della pace, dai bambini con maschere antigas, alle ragazzine che abbracciano armi da guerra, sono ironiche e dissacranti, a volte disturbanti, ma lanciano sempre messaggi politici e chiare invettive contro i potenti del mondo.
Ed è proprio il misterioso artista (forse) di Bristol il fulcro della mostra a Conegliano, curata da Daniel Buso e organizzata da ARTIKA in collaborazione con Deodato Arte e la suggestiva cittadina veneta.
La Mostra, Keith Haring e Obey
Ricca di 80 opere, con focus sulla figura di Bansky ( particolarmente significativa la sua Kids on Guns, un'opera del 2013 che rappresenta due bambini stilizzati in cima a una montagna di armi, simbolo della lotta contro la violenza), la mostra si articola attorno a quattro grandi temi - ribellione, pacifismo, consumismo e critica al sistema – ed ospita, oltre all’enigmatico artista britannico, altri due guru della street art: Keith Haring e Shepard Fairey, in arte Obey.
Convinto che «l’arte non è un’attività elitaria riservata all’apprezzamento di pochi: l’arte è per tutti e questo è il fine a cui voglio lavorare» Haring (morto prematuramente nel 1990, a soli 32 anni, stroncato dall’AIDS) ha creato un nuovo linguaggio comunicativo caratterizzato da tematiche legate alla politica e alla società, facendo degli omini stilizzati e del segno grafico nero i suoi tratti distintivi; Fairey, in arte Obey, attualmente uno degli street artist più importanti ( e discussi) al mondo, si è fin da subito reso conto di come la società in cui è nato e cresciuto lo abbia condotto all’obbedienza senza che lui se ne rendesse conto: da qui la scelta di chiamarsi Obey , che significa obbedire.
Bansky, Haring , Obey, praticamente la storia della street art racchiusa in una mostra che non è solo un'esposizione di opere d'arte, ma anche un'occasione per riflettere sulle contraddizioni di questo oramai popolarissimo movimento artistico e sul suo ruolo nella società contemporanea. Alla domanda se un’arte nata per contestare il sistema possa oggi essere esposta nei musei, venduta all’asta e diventare oggetto di mercato, non vengono offerte risposte, ma contributi per stimolare una riflessione personale in ogni visitatore. Perché, in fondo, anche questa è la forza della Street Art: porre questioni più che dare certezze...
BANKSY, Girl with balloon, serigrafia su carta, 2004
Figura che ama stupire, questa volta Goldin ha ideato un’esposizione che « va cronologicamente a ritroso »: parte dall'astrazione americana del secondo Novecento (con artisti come Richard Diebenkorn, Morris Louis e Helen Frankenthaler), prosegue con l'astrazione europea ( rappresentata da opere di Piet Mondrian, Paul Klee e Ben Nicholson) e si conclude con il passaggio dal Novecento all’Ottocento, con focus su natura morta, ritratto e paesaggio. Tre temi fondamentali, pur nelle loro molteplici declinazioni, rappresentati, in mostra, dalle sfumature poetiche delle nature morte di Giorgio Morandi e Georges Braque e dai ritratti e dalle figure di Matisse, Bonnard e Vuillard, sino ad arrivare a De Chirico e Modigliani (di grande intensità il ritratto di Paul Guillaume del 1815) e alla famosa Donna con cappello nero, uno splendido Picasso cubista del 1909. Davvero straordinaria anche la parte (l’ultima di questo originale percorso al contrario…) dedicata al paesaggio, che regala al visitatore le meravigliose visioni veneziane di Paul Signac, la Parigi di Robert Delaunay e Fernand Léger e una strepitosa sequenza di paesaggi impressionisti e post-impressionisti, tra cui spiccano una delle ultime versioni (forse la più bella… ) delle Ninfee di Monet, accanto a capolavori assoluti di Gauguin, Cezanne, Caillebotte, Renoir e Sisley, a Treviso con il suo celebre L’acquedotto a Marly, realizzato nello stesso anno della prima mostra impressionista, il 1874. A chiudere questo anomalo e ricchissimo percorso espositivo, l’artista più amato e studiato da Goldin: Vincent Van Gogh.
Solitario, a dominare su tutto, quasi a congedare il pubblico, quel capolavoro che è Campo di grano con falciatore ad Auvers del 1890, l’opera con cui l’artista olandese dice addio alla vita e che rappresenta con largo anticipo l’arte futura, quella modernità già raggiunta da Van Gogh nell’incomprensione quasi totale del suo tempo… E sempre a lui, inarrivabile e tormentato genio pittorico , è dedicato film scritto e diretto da Goldin Gli ultimi giorni di Van Gogh, proiettato a ciclo continuo nella sala ipogea del museo trevigiano. Con questa poetica proiezione si conclude il percorso espositivo, che splendidamente rappresenta la qualità altissima delle opere custodite nel Toledo Museum of Art dell’Ohio, il quotatissimo museo americano (nominato nel 2025 il miglior museo degli Stati Uniti) che ha reso possibile questa prestigiosa esposizione, che da sola merita almeno un giorno a Treviso…
Edward Hopper, Figure a teatro, 1927, olio su tela.Toledo Museum of Art, acquistato con fondi del Libbey Endowment, dono di Edward Drummond Libbey, inv. 1935.49 © Heirs of Josephine N. Hopper
Nato ad Arco di Trento nel 1858, quando quella parte d’Italia era ancora terra austriaca, un’adolescenza travagliata, trascorsa tra Milano e la Valsugana, segnata anche da un arresto per vagabondaggio e un periodo in riformatorio, Giovanni Segantini (1858-1899), che nonostante le vicende personali riuscì a frequentare per quasi un triennio l’Accademia di Brera e stringere amicizie negli ambienti artistici cittadini che ne influenzarono profondamente la sua arte , è stato un artista innovativo e poliedrico, capace di catturare la bellezza della natura e la spiritualità dell'esistenza umana come pochi altri hanno saputo fare.
Visceralmente legato alla sua terra d’origine e all’Engadina (il luogo che lo ha ospitato negli ultimi anni della sua breve vita), il suo stile, caratterizzato da una profonda connessione spirituale con la montagna e la vita rurale, ha lasciato il segno nella storia dell’arte italiana e internazionale, che lo annovera fra il massimi esponenti ( se non il più importante..) del Divisionismo italiano : punto d’arrivo della sua parabola artistica , il «Segantini divisionista» abbandonerà via via i soggetti agresti per il «simbolismo naturalistico » e per una più personale interpretazione del rapporto panteistico tra Uomo e Natura, sostituendo alla tecnica tradizionale dei colori mischiati sulla tavolozza singole, piccole, nette pennellate posizionate l’una accanto all’altra sulla tela, per formare, nell’insieme, l’immagine. Mosso da una ricerca spasmodica, quasi ossessiva, di riscrivere in termini pittorici gli spazi naturali e di rappresentare la forza evocativa delle scene di vita montana che lo circondavano, Segantini, soprattutto nell’ultimo decennio della sua vita, visse quasi in totale isolamento, alimentando così il mito di un artista « eroicamente solitario ». In realtà, la sua figura e le sue straordinarie opere vanno inquadrate nei contesti artistici e culturali in cui visse e che lo influenzarono, elementi fondamentali per comprendere a fondo questo grande artista. Ed è questo l’obiettivo della mostra allestita fino al 22 febbraio 2026 ai Musei Civici di Bassano del Grappa, un'occasione davvero unica per ammirare la produzione artistica di Segantini in tutta la sua complessità e bellezza. Come ha ben sottolineato Barbara Guidi, Direttrice dei Musei Civici di Bassano del Grappa, «…la mostra sfata il mito del genio isolato per consegnarci un Segantini perfettamente integrato nei dibattiti figurativi del proprio tempo, audace sperimentatore di tecniche pittoriche, inventore di un’iconografia della montagna così potentemente evocativa, carica di poesia e sentimento, da risultare eterna e inscalfibile nella sua laica sacralità. Un’eternità oggi messa in discussione dal repentino cambiamento climatico che rende questo soggetto prepotentemente attuale».
La Mostra
Fra le iniziative più attese dell’Olimpiade Culturale di Milano Cortina 2026, un’iniziativa che accompagna i Giochi Olimpici e Paraolimpici Invernali con un ricco calendario di eventi culturali diffusi sul territorio nazionale, la retrospettiva dedicata a Giovanni Segantini offre al visitatore un percorso espositivo vario e articolato, composto da circa 100 opere tra dipinti, disegni, incisioni, ma anche fotografie e documenti archivistici. Curata da Niccolò D’Agati, la mostra è divisa in quattro sezioni, ognuna delle quali esplora un aspetto diverso dell'arte di Segantini: si parte dalla fase milanese, segnata dall'incontro con il gallerista e sodale Vittore Grubicy De Dragon, che influenzerà radicalmente l'evoluzione del suo percorso artistico, per arrivare agli ultimi anni, quando l’arte di Segantini si fa più sperimentale e caratterizzate da una profonda ricerca sulla luce e il colore. Nel mezzo, il periodo brianzolo, con quel crescente interesse per la natura e la rappresentazione della comunione tra uomo, paesaggio e animali e poi la fase svizzera, forse la più nota, durante la quale Segantini si dedica alle sue grandi e celebri composizioni della vita montana, nelle quali si legge la sua personale interpretazione del rapporto tra l’Uomo e il Creato. Opera dopo opera, passando da Ave Maria a trasbordo a Ritorno dal bosco, da Pascoli di primavera a Dopo il temporale, quello che emerge è la straordinaria capacità di Segantini di catturare la bellezza della natura e di rappresentare la spiritualità dell'esistenza umana.
Giovanni Segantini, Ave Maria a trasbordo, 1886-1888. © Segantini Museum St. Moritz - Deposito della Fondazione Otto Fischbacher Giovanni Segantini
